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Pair of pendant Nature Morte from the mid-1700s.
Still life with bucchero, recorder, fruit, flowers, porcelain, biscuits and hanging sheets.
Still life with mandola, books, fruit, kitchen knife, oval basket and hanging papers.
The pendant portrays two tables set in an interior with a wooden wall in the background; on both tables, one square and one hexagonal, apparently chaotic compositions of objects are set up, but which together configure an orderly pyramidal geometry which in turn is crossed by a diagonal cut of light which clearly marks what is in light on the left side from what is in shadow on the right side.
On the square table we find food and domestic objects such as biscuits of different shapes, scattered fruit, a bowl and oriental porcelain cups placed in different positions. These are mixed with objects of luxury life such as the recorder broken down into three pieces, the musical score, the vase of cut flowers and the bucchero. On the walls of larch boards hang some sheets and an oval frame.
On the hexagonal table we see a twelve-stringed mandola, two lemons, one of which is cut in two, plums and cherries, some scattered and some contained within a wicker basket with a handle, three books bound in parchment (one of which precariously balanced on the edge of the table), a kitchen knife and a decorated oval basket. On the wall of larch boards, hanging from nails, we see a bunch of keys, some lunettes and two sheets of which one with a folded corner and a figure drawn in red chalk.
Both paintings use a perspective from above to better describe the set tables and both have the same clear diagonal cut of the light which helps to enhance the of the objects which, apart from the musical instruments, are all objects of domestic use which create a synthesis between the still lifes of the kitchen (pottery and food), those of the desk/study (books and notes) and the naturalistic ones (vase of flowers).
The elements of deceptive painting are also included in this fusion (the glasses that invite you to observe carefully and the keys mark the border between the world of reality and that of illusion).
The pair of paintings in question offers a series of interesting reflections that involve the vast production of still lifes that spread in Italy between 1600 and 1700. The first question I asked myself while observing them was related to their classification: are they still lifes or trompe l'oeil?
This indecision arises from the presence of the wooden wall in the background and from the many analogies with that vast production of illusory painting of the same era by the painters of fake boards; Francesco Raspis, Antonio Gianlisi, Andrea Remps, Sebastiano Lazzari and many others developed deception painting starting from the third quarter of 1600 according to Nordic imported models.
The wooden planks indicate the everyday life of the scene; but it is a scene within a scene, an illustration of what is really present in the environment in which the painting is placed. Even the use of the artificers, of the illusion, such as the corner table or the folds in the corners of the sheets or the inclined arrangement of the objects on the plane are all devices aimed at accentuating the depth of the scene.
The lunettes, keys and hanging sheets can be found in the majority of trompe l'oeil paintings of the period. I note that the writing on the left of the painting with the mandola 6.S6.90 placed in the background of the panels is absolutely original and, lacking any apparent meaning (perhaps deliberately enigmatic), seems to have a didactic purpose.
Having said this, it is my opinion that the author of the painting wanted to make his works current with the use of the fake background boards but that in reality his primary intent was to pay homage to the painting of Cristoforo Munari whose works the our painter was strongly inspired for the following reasons.
The Mexican bucchero depicted has strong consonances with the Munari painting exhibited at the National Gallery of Parma and with others present in Francesca Baldassarri's text. This clay container was used to perfume water and became highly appreciated by the Florentine court and nobility of the late 1600s, both for its exotic origin and for its usefulness. This interest in the charm of perfumes culminated at the end of the 17th century with the foundation of the Accademia degli Odorati Cavalieri.
In the same composition as the square table we find the white porcelain decorated with cobalt blue vegetal motifs favored by Munari; he arranged them in space almost constantly in pairs and in different positions (one standing and the other upside down). An expedient used by the artist to give depth to the scene.
Another frequent element from the first activity was in the use of the same musical instruments (the recorder and the mandola) which we find similarly depicted here.
Furthermore, in the composition on the square table we find a score with a non-musical writing exactly as found in the paintings of Munari, who evidently did not know music. The iconographic comparison leads with strong motivations to the works of Cristoforo Munari which our author reproduced according to a more cursive style in a subsequent period of approximately thirty years, after the master's death. Read the card
Bibliography:
Francesca Baldassari, Cristoforo Munari, Milan 1988;
Alberto Veca, Inganno e realtà, Bergamo 1980;
Aa.Vv., La natura morta in Italia, Milan 1989.
The paintings were selected from a private collection in Milan, they were in good condition, with an old lining and modern frames; we carried out a light cleaning and minimal pictorial touch-ups where necessary.
Coppia di Nature Morte in pendant della metà del 1700.
Natura morta con bucchero, flauto dolce, frutta, fiori, porcellane, biscotti e fogli appesi.
Natura morta con mandola, libri, frutta, coltello da cucina, paniere ovale e fogli appesi.
Il pendant ritrae due tavole apparecchiate in un interno con lo sfondo di una parete di legno; su entrambi i tavoli, uno quadrato ed uno esagonale, sono allestite composizioni di oggetti apparentemente caotiche, ma che nel loro insieme configurano un’ordinata geometria piramidale che a sua volta è attraversata da un taglio di luce in diagonale che scandisce chiaramente ciò che è in luce nella parte sinistra da ciò che è in ombra nella parte destra.
Sul tavolo quadrato troviamo alimenti e oggetti domestici quali biscotti di forme diverse, frutta sparsa, una terrina e delle tazzine in porcellana orientale collocate in posizioni differenti. A questi si mescolano gli oggetti della vita voluttuaria come il flauto dolce scomposto in tre pezzi, lo spartito musicale, il vaso di fiori recisi ed il bucchero. Sulle pareti di assi di larice sono appesi dei fogli ed una cornice ovale.
Sul tavolo esagonale vediamo una mandola a dodici corde, due limoni di cui uno tagliato in due, prugne e ciliegie, alcune sparse ed alcune contenute entro un cesto di vimini con manico, tre libri rilegati in pergamena (uno dei quali in equilibrio precario sul bordo del tavolo), un coltello da cucina ed un paniere ovale decorato. Sulla parete di assi di larice, appesi a dei chiodi, vediamo un mazzo di chiavi, delle lunette e due fogli di cui uno con un angolo piegato e una figura disegnata a sanguigna.
Entrambi i dipinti utilizzano una prospettiva dall’alto per poter meglio descrivere le tavole apparecchiate ed entrambi hanno lo stesso taglio netto in diagonale della luce che aiuta ad esaltare la descrizione degli oggetti che, a prescindere dagli strumenti musicali, sono tutti oggetti d’uso domestico che creano una sintesi tra le le nature morte della cucina (vasellame ed alimenti), quelle della scrivania/studio (libri e appunti) e quelle naturalistiche (vaso di fiori).
In questa fusione si inseriscono anche gli elementi della pittura ingannevole (gli occhiali che invitano ad osservare attentamente e le chiavi segnano il confine tra il mondo della realtà e quello dell’illusione).
La coppia di dipinti in esame offre una serie di riflessioni interessanti che coinvolgono la vasta produzione di nature morte che tra il 1600 ed il 1700 si sono diffuse in Italia. Il primo quesito che mi sono posto osservandoli è stato relativo alla loro classificazione: si tratta di nature morte o di trompe l’oeil?
Questa indecisione nasce dalla presenza della parete di legno sullo sfondo e dalle molte analogie con quella vasta produzione di pittura illusoria della stessa epoca ad opera dei pittori di finte assi; Francesco Raspis, Antonio Gianlisi, Andrea Remps, Sebastiano Lazzari e molti altri svilupparono la pittura di inganno a partire dal terzo quarto del 1600 secondo dei modelli di importazione nordica.
Le tavole di legno indicano la quotidianità della scena; ma è una scena nella scena, un’illustrazione di quanto è realmente presente nell’ambiente in cui il quadro è collocato. Anche l’uso degli artefici, dell’illusione, quali il tavolo d’angolo o le pieghe negli angoli dei fogli o la disposizione inclinata degli oggetti sul piano sono tutti accorgimenti rivolti ad accentuare la profondità della scena.
Le lunette, le chiavi ed i fogli appesi li ritroviamo nella maggioranza dei trompe l’oeil del periodo. Di assolutamente originale rilevo la scritta posta sulla sinistra nel dipinto con la mandola 6.S6.90 apposta sullo sfondo delle tavole che, priva di un senso apparente (forse volutamente enigmatica) sembra avere uno scopo didascalico.
Ciò detto, è mia opinione che l’autore del dipinto abbia voluto rendere attuali le sue opere con l’impiego delle finte assi dello sfondo ma che in realtà il suo intento primario fosse quello di rendere omaggio alla pittura di Cristoforo Munari alle cui opere il nostro pittore si è fortemente ispirato per le seguenti ragioni.
Il bucchero messicano raffigurato ha delle forti consonanze con il dipinto del Munari esposto alla Galleria Nazionale di Parma e con altri presenti nel testo di Francesca Baldassarri. Questo recipiente d’argilla serviva a profumare l’acqua e divenne molto apprezzato presso la corte e la nobiltà fiorentina della fine del 1600, sia per la sua provenienza esotica che per la sua utilità. Questo interesse per il fascino dei profumi culminò sul finire del secolo XVII con la fondazione dell’Accademia degli Odorati Cavalieri.
Nella stessa composizione del tavolo quadrato troviamo le porcellane bianche decorate con motivi vegetali in blu cobalto predilette dal Munari; questi le disponeva nello spazio quasi costantemente a coppia e in posizione differente (l’una in piedi e l’altra rovesciata). Un espediente usato dall’artista per dare profondità alla scena.
Un altro elemento frequente fin dalla prima attività fu nell’uso dei medesimi strumenti musicali (il flauto dolce e la mandola) che qui ritroviamo similmente raffigurati.
Peraltro nella composizione sul tavolo quadrato troviamo uno spartito con una scrittura non musicale esattamente come riscontrabile nei dipinti del Munari, che evidentemente non conosceva la musica.Il confronto iconografico, riconduce con forti motivazioni ai lavori di Cristoforo Munari che il nostro autore ha riprodotto secondo uno stile più corsivo in un arco temporale successivo di trent’anni circa, posteriore alla morte del maestro. Leggi la scheda
Bibliografia:
Francesca Baldassari, Cristoforo Munari, Milano 1988;
Alberto Veca, Inganno e realtà, Bergamo 1980;
Aa.Vv., La natura morta in Italia, Milano 1989.
I dipinto sono stati selezionati in una collezione privata milanese, si presentavano in buone condizioni, con una vecchia foderatura e cornici moderne; abbiamo provveduto ad eseguire una leggera pulitura ed a minimi ritocchi pittorici ove necessari.
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