The theme of the suggestive scene is the central moment in the life of St. Agatha, young martyr patroness of Catania who, according to legend, converted to Christianity first refused the flattery of the governor Quinziano and then to abjure her faith and sacrifice to the pagan gods; imprisoned, she was subjected to the torture of the amputation of the breasts. This episode became a favorite subject of painting for the richness of pathos and the possibility of theatrical interpretation that it offered. In particular in the first half of the seventeenth century have been identified six types of interpretation of the scene: S. Agatha asleep while S. Agatha in the middle of the night, and S. Agatha in the middle of the night. Particularly in the first half of the 17th century, six types of interpretation of the scene have been identified: St. Agatha asleep while St. Peter enters her cell, the woman intimidated and surprised by the unexpected sight, the demure woman who refuses the care of the man, who dialogues with him almost in a theological dispute, absorbed and asleep while she lets herself be cured, and finally in ecstasy who receives the cures, entrusting herself to the Most High; finally, there is the scene of the saint left alone in her cell surrounded by angels. The work presented here proposes the scene of the saint in and ecstatic attitude, comforted by and angel holding a candle while Peter approaches her with a jar of ointment and his right hand raised: the use of candlelight as a source of light, inside the scene itself and radiating onto Agatha's face and breast, stands out in the composition, together with the composure of the figures, even in the pathos of the moment, which underlines the ecstatic concentration and spiritual significance of the episode. This representation is found almost identical in a group of six works, placed in different locations, whose attribution has been the subject of academic study and discussion: the most credited hypothesis has long been that of Sergio Benedetti, who attributed them all to Rustichino, stage name of the painter Francesco Rustici. It has also been discussed on a possible derivation Caravaggio of the work, but the compositional mode with the figures stuck in and ecstatic dimension, together with the use of a source of light inside the scene, do not seem attributable to the powerful dynamism and the use of lights outside the scene that distinguish the Caravaggio. The critic Luigi Agus, in a detailed study, comes instead to define the six works as replicas all of different hands, coming rather from a single area, more than workshop, but certainly not all attributable to Rustichino, although it would seem the most reliable candidate for the authorship of at least one of them. According to Agus, some pictorial peculiarities would refer the original prototype (now lost) to a Nordic artist, Joachim von Sandrart (1606-1688), active in Rome between 1629 and 1635, while the replicas, almost certainly datable to the 1640s, for their non-homogeneous qualities (chromatic differences, different details, above all different stylistic settings) would suggest a small group of artists gravitating in Rome in the same circles as the German painter. The replica proposed here comes from a private collection and was sold at auction in 1999 and 2002, restored and re-presented in a stylish frame.
Olio su tela.Il tema della suggestiva scena è il momento centrale della vita di S.Agata, giovane martire patrona di Catania che, secondo la leggenda, convertitasi al Cristianesimo rifiutò prima le lusinghe del governatore Quinziano e quindi di abiurare la propria fede e sacrificare agli dei pagani; imprigionata, venne sottoposta alla tortura dell'amputazione delle mammelle. Mentre si trovava in carcere, entrò nella sua cella un vecchio canuto per medicarla, che si rivelò come S.Pietro mandato direttamente da Dio per alleviare le pene della giovane.Questo episodio divenne un soggetto prediletto della pittura per la ricchezza di pathos e la possibilità di interpretazione teatrale che offriva.In particolare nella prima metà del XVII secolo sono state individuate ben sei tipologie interpretative della scena: S.Agata addormentata mentre S.Pietro entra nella cella, la donna intimorita e sorpresa della vista inaspettata, pudica che rifiuta le cure dell'uomo, che dialoga con lui quasi in una disputa teologica, assorta e addormentata mentre si lascia curare e infine in estasi che riceve le cure rimettendosi all'Altissimo; esiste infine la scena della santa rimasta ormai sola nella sua cella attorniata da angeli.L'opera qui presentata propone la scena della santa in atteggiamento estatico, confortata da un angelo che regge una candela mentre Pietro le si avvicina con un vasetto di unguento e la mano destra sollevata: spicca nella composizione l'utilizzo del lume della candela come fonte di luce, interna alla scena stessa e che si irradia sui volti e sul seno di Agata, insieme alla compostezza delle figure, pur nel pathos del momento, che sottolinea la concentrazione estatica e la pregnanza spirituale dell' episodio.Tale raffigurazione si ritrova pressochè identica in un gruppo di sei opere, collocate in sedi diverse, la cui attribuzione è stata oggetto di studio e discussione accademica: l'ipotesi più accreditata è stata a lungo quella di Sergio Benedetti, che le ha attribuite tutte al Rustichino, nome d'arte del pittore Francesco Rustici.Si è anche discusso su una possibile derivazione caravaggesca dell'opera, ma la modalità compositiva con le figure bloccate in una dimensione estatica , insieme all'utilizzo di una fonte di luce interna alla scena, non sembrano riconducibili al potente dinamismo e all'utilizzo di luci esterne alla scena che contraddistinguono il Caravaggio.Il critico Luigi Agus, in uno studio dettagliato, arriva invece a definire le sei opere come repliche tutte di mani diverse, provenienti piuttosto da un unico ambito, più che bottega, ma non sicuramente riconducibili tutte al Rustichino, seppur parrebbe il candidato più attendibile per la paternità di almeno una di esse.Secondo l'Agus, alcune particolarità pittoriche rimanderebbero il prototipo originale (ormai perduto) ad un artista nordico, Joachim von Sandrart (1606-1688) , attivo a Roma tra il 1629 e il 1635, mentre le repliche, quasi certamente databili agli anni Quaranta, per le qualità non omogenee (difformità cromatiche, dettagli differenti, soprattutto differenti impostazioni stilistiche) farebbero propendere per un ristretto gruppo di artisti gravitanti a Roma negli stessi ambiti del pittore tedesco.La replica qui proposta risulta proveniente da collezione privata e passata in asta nel 1999 e nel 2002.Restaurata e ritelata, è presentata in cornice in stile.
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